Renässanskonstnär florens 1400

Man är särskilt imponerad av den strikta symmetrin och den logiska ordningen i hela kompositionen, kvaliteten på renässanskonstnär florens 1400 tidigare stilen. Fra Angelico kom från en bondefamilj och gick med i Dominikanska klostret vid tjugo års ålder. Liksom andra medlemmar av hans ordning gick han in i klostrets vanliga aktiviteter och uppfyllde både sina andliga och fysiska uppgifter med ödmjukhet och övertygelse.

Men när det upptäcktes att han hade ovanliga konstnärliga förmågor, fick han i uppdrag att dekorera kapellens väggar och renässanskonstnär florens 1400 burar med heliga berättelser som skulle inspirera sina invånare. Ett av de mest populära teman renässanskonstnär florens 1400 Kristen konst som han representerade var budskapet, som han var tvungen att måla många gånger.

I en av dessa tolkningar avslöjar han de viktigaste egenskaperna hos hans stil. Notera hans milda och poetiska inställning till dramatisk konfrontation och hans förmåga att skildra religiösa inlärningshändelser på ett mildt, intimt sätt. Fra Angelico hade en underbar färg, som demonstreras i kontrast av subtil crimson och royal blue. Han kunde kombinera den linjära nåden och den vackra färgen hos tidigare konstnärer som Duccio och Cimabue med en ny önskan om klarhet och dramatisk realism.

I budskapet sammanställer han händelser som är relaterade till varandra, även om de är långt ifrån varandra i tiden. I trädgården till vänster, Renässanskonstnär florens 1400 och Eva, drabbade av sorg och skam, förvisas från paradiset på grund av deras olydnad mot Gud. I ett öppet kloster får en ödmjuk och From jungfru ett tillkännagivande från Angel Gabriel att hon har blivit utvald som Guds Sons moder.

En händelse är helt klart en följd av den andra, eftersom kristendomen lärde att det var Adams och Evas arvsynd som orsakade behovet av en Återlösare. Det är intressant att notera hur Fra Angelico kombinerar element av naturalism-påtagligt verklig arkitektur, en enkel träbänk i en bur, en frodig trädgård och en liten Fink som vilar på toppen av en kolonn - med så tydligt övernaturliga element som den lysande skivan till vänster, med sin gyllene väg som leder till jungfruns Huvud.

Dessutom är det intressant att se jämförelsen av den gemensamma finchen - en vanlig sångfågel - med goluk, den mest kända symbolen för den Helige Ande. Utrymmet utvecklas övertygande, även om det inte är så logiskt utformat som i verk av Masaccio och Piero della Francesca, men det finns en tendens till tydliga, skarpt skisserade former snarare än att avrunda former genom användning av ljus och skugga.

Överväxten, med sin kombination av gotisk valv och klassisk dekoration som de smala Korintiska kolumnerna, återspeglar den revolution som ägde rum i modern arkitektur tack vare Brunelleschis ansträngningar. Fra Angelica genomsyrar också klassisk arkitektonisk dekoration med Kristen betydelse, för på byggnadens fasad, direkt ovanför den centrala kolonnen, som så effektivt skiljer jungfru från ängeln, ser vi Guds Faders likhet.

Hans huvud var monterat på ett skaldiagram, en av de gamla hedniska symbolerna för odödlighet. Fra Angelicos karriär är olik andra samtida religiösa konstnärer som Fra Filippo Lippi. Han bestämde sig inte för att stiga till en hög position i sin talang, även om han kunde ha gjort det. Hans rykte som konstnär var så betydelsefullt att den mäktige gonfaloniere-härskaren i Florens, Cosimo de' Medici, bjöd honom att lämna sin hemstad Fizol och arbeta i det stora Dominikanska klostret San Marco i Florens, vilket han gjorde.

Men när påven erbjöd sig att göra honom till ärkebiskop av Florens i erkännande av hans stora konstnärliga gåvor och allmänt berömda fromhet, vägrade den milda konstnären och bestämde sig för att stanna kvar i sitt Klosters avskildhet. Paolo Uccello, medan Fra Angelicos målningar illustrerar några av de sätt på vilka konstnärer anpassade gamla formler eller metoder till programmet för ny beskrivande eller naturalistisk konst, från Paolo Uccello c.

Uccello började sin karriär som assistent till den berömda skulptören i början av fjortonde århundradet, Lorenzo Gimerti, med vilken Brunelleschi en gång utan framgång tävlade om en monumental kommission, skapandet av förgyllda bronsdörrar för katedralens dop. Uccello följde också Pagan da Fabriano till Venedig för att arbeta med mosaiken. När han återvände till sitt hemland Florens sex år senare var han tydligen mycket efterfrågad som konstnär.

I, Cosimo de ' Medici anlitade honom för att måla en serie av tre stridsskott för väggarna i ett sovrum i palatset. Man tror att läkare inte anser att det är en målning. Ämnet för alla tre paneler var slaget vid San Romano, en förmodligen härlig seger där Florens general, Nikolaus av Tolentina, höll tillbaka den motsatta Sienesiska armen med bara en handfull riddare. Även om den avbildade händelsen var en våldsam sammanstötning av beväpnade män och hästar, erbjuder konstnären ingenstans skräck och våld i samband med kriget.

Riddare i rustning med sina lutande spjut verkar vara glatt målade leksaker, medan hästar verkar röra sig som om de placerades på rockers. I förgrunden av en av panelerna finns en förvirring av föremål-fallna hästar med sina ryttare, kasserad Rustning, trasiga spjut i alla tänkbara positioner. De är uttryckligen, men utan framgång, utformade för att definiera utrymmet mellan bildytan eller planet och landskapsbakgrunden.

Trots denna skapelse av en grunt scen ligger betraktarens huvudsakliga uppskattning av målningen i dess dekorativa färgharmoni och ständigt rörliga linje. Överallt längs böjningarna bakom hästens ryggar och halsar dras ögat från ljusets område till det motsatta området av mörkret. Fascinerad av tekniken för pre-inneslutning-tillämpa perspektivreglerna på specifika objekt-Uccello skapade många ritningar av animerade och livlösa föremål, som tydligt var användbara förberedelser för målningar som Slaget vid San Romano.

Trots all sin entusiasm liknar Uccellos arbete ofta en lektion i oregelbunden geometri. Även om trettio år av snabb utveckling i italiensk konst skiljer Slaget vid San Romano från Gentile da Fabriano ' s the Leg of the Magi, är målningarna påfallande lika i sin effekt, vilket kommer från skapandet av en rik ytritning prickad med områden med ljus färg. Uccellos tendens att lyfta fram figurer och föremål från en dekorativ landskapsbakgrund observeras också i en mer rumslig Sekventiell målning, "St.George räddar en prinsessa från en drake."Här är ämnets religiösa karaktär underordnad den konstnärliga angelägenheten för utvecklingen av eleganta fantastiska former.

Draken är mitten av kompositionen, med linjer som förbinder den med andra figurer. Den snabba diagonalen i St. George ' s spjut leder betraktarens öga till djurets huvud; sedan reser vilken klimatzon tillhör skåne längs kedjans delikat böjda linje till prinsessans blygsamma figur.

Att bli av med kompositionens begränsade drama kan tittaren fokusera på stiliserade landskapsdetaljer som en grotta, en trädgård eller bakgrundsträd som tenderar att smälta samman med de runda molnen som skapar den heliga riddarens Huvud. Vid andra hälften av femtonde århundradet ersattes den platta dekorativa stilen, som fortfarande uttrycks i "St.George saving the Princess from the Dragon", vanligtvis av en ny, mer rumsligt ambitiös och experimentell stil.

Uccello gick vidare av beskyddare till förmån för yngre, mer progressiva konstnärer.

För mer information om de färgpigment som används av florentinska renässanskonstnärer i fresker, tempera och oljemålning, se i Renässansfärgpaletten. Giovanni Angelo Di Antonio, typiskt för det växande svaret på perspektivets utmaning, är en målning utförd för hertigens domstol i Urbino, en stad till viss del öster om Florens, som firas som födelseplatsen för Raphael - en av de senare stora målarna i det höga.

Renässans. Ämnet "födelsen av en jungfru" finns i många målningar från det femtonde århundradet, eftersom jungfruen åtnjöt hög religiös prestige från den gotiska perioden under hela renässansen. Han var verkligen en konstnär med extraordinära förmågor; Det finns stor virtuositet i hans hantering av rymden och i hans känsla av tillbehör. Panelen fokuserar inte på att presentera en enda scen som äger rum i ett enda utrymme, utan snarare skildrar en viktig händelse i samband med en bullrig och likgiltig Värld.

Födseln är nästan dold franska köksknivar grund av de många detaljer och aktiviteter som följer med eller omger den. Betraktaren är så uppslukad av Renässanspalatsets eleganta arkitektur, figurernas kostymer och scenens allmänna konkurrens att han nästan glömmer betydelsen av det religiösa temat.

Där Uccello för trettio år sedan fortfarande kämpade med problemet med att få tvådimensionella former att framstå som tredimensionella, har den anonyma mästaren på denna panel överraskande lyckats förmedla ett intryck av betydande djup. Siffrorna är grupperade med en garanti och bidrar starkt renässanskonstnär florens 1400 intrycket av ett logiskt ordnat utrymme. Målningen återspeglar också livligt prakten och mångfalden i det femtonde århundradet.

Kvinnorna i förgrunden togs vackert bort, Herren med sin utbildade fågel inramad i dörröppningen, jägarna och ryttarna i bakgrunden - alla medborgare i ett rikt och odlat sekulärt samhälle - ett samhälle med smak för lyx och för förbättring av konst Även om vi kan dra slutsatsen att fritid var de rikas privilegium, kan pompa och ståt hittas på stadens gator såväl som i palats.

I renässansens Italien fungerade hela städer ofta som scener för underhållning. Karnevaler, religiösa mysterier och hästkapplöpningar på lokala helgdagar eller medborgerliga helgdagar inkluderade alla delar av befolkningen, och många av dessa händelser är nedtecknade i målningar. Andrea del Castagno en viktig dimension av konst i det femtonde århundradet är hennes inställning till de ceremoniella aspekterna av livet.

För att fira bröllop eller förlossning skapade hantverkare ofta vackra artiklar som kistor eller keramiska plattor målade med scener som är relevanta för tillfället. På samma sätt lånar konstnärer ofta sina talanger för att dekorera metall-eller läderobjekt. Bland de mest slående målningarna från det femtonde århundradet är en av dem utförd på en lädersköld nästan fyra meter hög.

Målade in. Skölden är tydligt avsedd för ceremoniell, inte strid, användning, och ämnet är av särskild betydelse för staden Florens. I Italien var vissa helgon vanliga som besökare eller medborgerliga mästare, under vars fana eller bild Sienas, Padovas eller Venedigs härar kunde slåss. David, liksom hans kvinnliga kollega Judith, symboliseras för Florens av frihetens triumf över förtryck.

Förutom sitt fysiska mod och nationella ledarskapsförmåga var David också en skicklig musiker och poet. Utan tvekan fascinerade denna kombination av mod och skönhet, makt och intelligens Florentin och övertygade dem att välja honom som deras beskyddare. Detta förklarar de många representationerna av David som finns i femtonde och sextonde århundradets konst, inklusive de berömda bronsskulpturerna av Donatello och Verrocchio och naturligtvis marmorjätten Michelangelo, som ursprungligen stod vid ingången till Florens Piazza della Signoria i hjärtat av staden.

Liksom staden han symboliserar är David Castagno triumferande. I förgrunden kan du se huvudet på den dödade jätten Goliat, där han är inramad av benen på den unga hjälten. David, med sin korta klassiska tunika, muskulösa ben och armar, verkar vara en symbol för nervös energi. Faktum är att varje form i målningen väcktes till liv, från det lockiga håret på jättens huvud till de dynamiska virvlarna i Davids kostym.

Även den blå himlen verkar vara oroad över närvaron av snabba moln, vilket indikerar effekten av starka vindar. Castagno är väl medveten om de problem som uppstår när man projicerar illusionen av övertygande djup. Att han behärskade perspektivprinciperna och att han var intresserad av naturen och återskapandet av livsformer visas i andra målningar, såsom de nyfikna freskerna han målade för att annonsera vissa konspiratorer som flydde Florens efter det misslyckade upproret.

Castagno representerade konspiratorerna som hängande upp och ner, och detta uppdrag ledde till att han fick smeknamnet Andreino degli Impati, eller "Andrew of the Hanged Men". Känslan av enorm energi i hans "David" är långt ifrån tyst monumentalitet. Verken av Masaccio eller Piero della Francesca visar hur långt renässansens gamla mästare reste från de preliminära lösningar som Giotto renässanskonstnär florens 1400 föreslog.

Den äldre tonvikten ligger på linje och plan yta. Det är denna nya vitalitet i linjen som gör att hans komposition verkar dramatisk och känslomässig, i den utsträckning som tidigare orealiserats av renässansmålning. Sandro Botticelli ingen konstnär är närmare identifierad med målning i slutet av den tidiga fasen av den italienska renässansen än Sandro Botticelli, liksom många unga Florentiner, Botticelli var ursprungligen en elev av guldsmed.

Senare studerade han målning hos lekmunken Fra Filippo Lippi. Om vi jämför den centrala delen av Botticellis "adoration of the Magi" med Lippis "Virgin adoring The Child of Christ", ser vi en viss likhet i tillvägagångssättet till bildandet i de två konstnärernas verk. Siffrorna är delikat utformade i var och en, och det finns samma varma, gyllene skönhet om Jungfru och spädbarn.

Atmosfären av sötma och vördnad som råder i Lippis målning renässanskonstnär florens 1400 fortfarande mycket närvarande i Botticellis större och något livliga komposition. Två målningar som ytterligare identifierar Botticellis mogna stil är Venus enorma födelse och La Priveras "vår". Den första var inspirerad av en modern dikt skriven av Polisiano, en av humanisterna i Lorenzos krets och en lärare till hans barn.

Enligt denna dikt föddes Venus i havet. I Botticellis målning hittar vi henne som bär genom vattnet på ett skal som drivs av vindarna. En vackert costumed Piga väntar på den smala gudinnan av kärlek och sträcker ut en hand av kläder för att täcka hennes nakenhet. Verket verkar särskilt revolutionerande när vi minns att religiösa myndigheter tidigare endast tolererade skildringen av nakna figurer endast när den figur som representerades var Adam eller Eva eller delvis täckt av en korsfäst Kristus.Här använde Botticelli inte den nakna figuren för något till synes religiöst syfte, utan snarare för att återskapa intrycket av en perfekt vacker klassisk staty, och posen antyder faktiskt beroende av en tidig grekisk eller romersk modell.

Primavera inspirerades också av Polisianos dikter och var delvis resultatet av en modern florentinsk upptagenhet med naturen, vilket ledde till representationen av förändrade årstider i målningen. I fresken av Francesco del Renässanskonstnär florens 1400 C. en detalj från hans cykel "tolv månader" visar vårlandskapet i April: Par hyllar Venus, kärlekens gudinna och månadens beskyddare.

I andra scener i Del Cossa fresco-cykeln visas figurer i sina respektive landskap till ära för Saturnus, Mars och andra gudar. Botticellis Primavera ligger också i Venus dekorativa område. Den tråkiga vintern är över och våren, för en man av en vacker ung kvinna, återföds. Symboliska figurer visas i ett tätt färgat möte: Till höger är vindarna personifierade, följt av Flora i sin utarbetade klänning täckt av färg, medan precis bakom Venus centrala figur dansar tre som mars, April och maj.

Till vänster identifierades en ung man i en kort klassisk kostym som en ung Giuliano de' Medici, idealiserad som guden Merkurius. Det är intressant att jämföra denna likhet med porträttet målat i Giuliano strax innan han målade Primavera. Hans smala lockiga hår bildar ett enastående, men inte idealiserat renässanskonstnär florens 1400, och betraktaren är imponerad, snarare av sinterens atmosfär än av hans skönhet.

På 50-talet övergav Botticelli målningen för en stavning under påverkan av den extremistiska prästen Savonarola, och hans senare verk är ganska dämpade och dystra. Med typisk florentinsk klarhet och självförtroende placeras hans eleganta figurer i ett ljust, övertygande tredimensionellt utrymme. Hur annorlunda den komplexa klassiska dekorationen av detta interiör verkar vara från den rena enkelheten i tidigare florentinska målningar.

Ändå uppfattar vi omedelbart i figurernas solida värdighet, tekniken att konstruera en känsla av rymd genom överlappande former och det logiska arrangemanget av föremål i rymden, sambandet med Masaccio och Piero della Francescas innovativa verk. Vi kan jämföra detaljerna i denna målning med Pierrots figurer i hans" Kristi födelse "eller detaljerna i hans fresco" The Legend of the True Cross", som visar damerna som väntar på renässanskonstnär florens 1400 Sheba och finner samma tydlighet i profilen tillräcklig värdighet.

Huvudåtgärden i" The Birth of a Virgin " är centrerad kring att en barnmorska tvättar ett nyfött barn. När vi tittar på ritningen Ghirlandaio som gjordes för att förbereda denna väggmålning kan vi se hur konstnären förväntade sig de fantastiska flytande rörelserna hos en kvinna som häller vatten i en pool. Med sådan forskning kan en konstnär bygga en repertoar av fysiska typer, rörelser och utseende som kan användas om och om igen.

Medvetenheten om naturen, särskilt om människokroppens arbete, som var en av de tidigaste manifestationerna av Renässansandan, är särskilt karakteristisk för florentinska. Då utsattes de också ofta för våldsam eller extrem medvetenhet om naturens kraft, till exempel vid frekventa översvämningar. Och sedan Dantes tid har de också uttryckt en fascination för komplexiteten i det kosmiska systemet som styrde de himmelska kropparna, som de skulle vilja förstå för att bättre förstå den mänskliga naturen.

Eftersom det vid den tiden ansågs att stjärnorna hade ett stort inflytande på människans öde, hade varje domstol sin egen astrolog; varje prins hoppades att den här vise mannen skulle hjälpa honom att upptäcka naturens hemligheter. Italienarna var de första europeiska som noggrant studerade växter och djur och skapade botaniska trädgårdar och chefer. Målningarna av Gentile Da Fabriano, Benozzo Gozzoli och Sandro Botticelli innehåller exempel på ovanliga djur och växter.

Gozzoli behövde inte uppfinna en exotisk leopard som följer med en ung man på "Magiens resa", eftersom det var ganska vanligt att adelsmän höll leoparder och lejon som husdjur. Lejonet var ganska känt som en symbol för Florens styrka. Några Renässansprinsar skapade till och med mänskliga glasögon: kardinal Ippolito de' Medici, Giulianos naturliga son, höll ett konstigt sällskap av afrikaner, tatarer, indianer och turkar.

Lorenzo The Magnificent, Poliziano och andra ägnade mycket av sin poesi åt att fira det mänskliga livets skönhet och naturens underverk. Deras entusiasm var inte begränsad till de större, större aspekterna av naturen, utan sträckte sig till de minsta och ödmjukaste av dess former. Sådan entusiasm bekräftades av moderna artister.Leonardo da Vincis teckning, som kärleksfullt utforskar anatomin hos en liten krabba, eller Luca Signorellis större studier av människokroppen i aktion, visar båda samma passionerade oro för detaljerad visuell sanning.

Ghirlandaos porträtt av en gammal man med en pojke avslöjar en annan aspekt av den ständigt ökande naturalismen hos florentinska konstnärer. Denna underbara lilla målning står inför slående kontraster: ungdom och ålderdom, idealisk skönhet och verklig fulhet. Motståndet från pojkens släta unga hud mot den gamla mannens vårttäckta, skrynkliga ansikte är rörande, liksom värmen som förmedlas i de två figurernas blick mot varandra.

Florentinska konstnärer som Ghirlandao utvidgade ständigt sina horisonter. De nöjde sig inte längre med att representera bara utseendet på människor eller föremål, de försökte återskapa viktiga aspekter av barnflickans karaktär genom att anta hans humör eller temperament genom ögonhörnet, uttrycket i munnen eller hakans renässanskonstnär florens 1400. Det kanske mest kända exemplet på porträttkonst som överskrider utseende och projicerar personlighet och karaktär är Leonardo da Vincis Mona Lisa.

John och änglarna."Till skillnad från tidigare, mer ceremoniell religiös konst, är Lorenzos målning förknippad med ett gripande ögonblick. Historia Katedralen Santa Maria del Fiore byggdes på platsen för en tidigare katedral byggdes i början av 5: e århundradet. Genom det sista decenniet av renässanskonstnär florens 1400, det var sönder med åldern och kunde inte längre konkurrera med nya eller renoverade gotiska katedraler i rivaliserande städer över Toscana.

Den nya Santa Maria del Fiore-strukturen designades av Arnolfo Di Cambio, hans andra mönster inkluderade den franciskanska kyrkan Santa Croce och Crenelland Palace Room, känd som Palazzo Vecchio, och det förväntades ta år att bygga. Den enda delen av strukturen som inte slutfördes var kupolen, eftersom ingen kunde räkna ut hur man utformar en kupol för att begränsa det enorma åttkantiga katedraltornet utan rukhma under byggandet.

En tävling hölls för att hitta en lösning som Brunelleschi vann. Arbetet påbörjades och slutfördes i kupolen Santa Maria del Fiore, var den första åttkantade kupolen i historien som uppfördes utan tillfälligt trästöd, och den blev en synlig symbol för florentinsk Renässanskultur. Arkitektur den främsta orsaken till den arkitektoniska svårigheten med kupolen var beslutet att avvisa den medeltida gotiska stilen, som använde pelare för att stödja katedralens övre nivåer till förmån för en mer klassisk Medelhavskupol, som måste vara självuppoffrande.

Kupolen i sig hade redan utformats av Neri Di Fioravante, som föreslog en stor inre kupol innesluten i en tunnare yttre kupol, delvis stödd av ett inre skal, som skydd mot vädret. Den inre kupolen måste sitta utan stöd av något stöd på en åttkantad trumma. Det var en plan, men ingen visste hur man skulle lösa det. Faktum är att kupolens bredd och höjd var så stor att den nästan säkert spred sig och föll under sin egen vikt och hoppade ut den åttkantiga trumman i processen.

Brunelleschis beslut baserades på tre huvudelement. Först inbäddade han fyra uppsättningar inbäddade järnkedjor som fungerade som tunnringar för att förhindra att det inre skalet spred sig. För det andra förstärktes detta stödsystem ytterligare med åtta vertikala revben, kompletterade med 16 dolda revben som strålar ut från mitten. För det tredje var tegelverket i den inre kupolen inbäddat i fiskbensmönster, vilket hjälpte till att överföra vikt och stress till de vertikala revbenen.

Den yttre kupolen kröntes av en typ av kupol som kallas en lykta, som också designades av Brunelleschi, men efter hans död av hans vän Michelozzo. Lyktan stängde kupolens centrala öga och använde ytterligare nedåtgående kraft, vilket minskade det yttre trycket vid basen. Taket på lyktan var toppat med en renässanskonstnär florens 1400 och ett kors gjord av Andrea del Verrocchio, som innehöll en uppsättning heliga reliker.

Bollen ersattes av en blixt i juli och ersattes av en ännu större två år senare. Minnesmärken till Brunelleschi Brunelleschi, ingenjör i Santa Maria del Fiore, utbildade sig först som skulptör och guldsmed innan han vände sig till arkitektur i sin förståelse av romersk konst och teknik, som ligger till grund för en stor del av hans Renässansframgång, som skulle förändra den nenneriska komplexiteten.

Gotisk design till något enklare och ljusare. En stor staty av Brunelleschi står nu på Piazza del Duomo och tittar på dess magnifika kupol, en klassisk silhuett som fortsätter att dominera stadens silhuett. Han är själv begravd i katedralen: hans grav ligger i den del av krypten som är öppen för allmänheten.Det faktum att han fick en så prestigefylld begravningsplats i Kök 30 talsstil viktigaste byggnad är ett tydligt bevis på hans rykte bland ledarna och medborgarna i hans hemstad.